Archives mensuelles : mai 2020

New Collecting: Exhibiting and Audiences after New Media Art (sous la dir. de Beryl Graham)

Edité par Beryl Graham, New Collecting: Exhibiting and Audiences after New Media Art contribue à une mise à jour stimulante des réflexions les plus récentes sur la collection, l’exposition et la documentation d’œuvres d’art dites « nouveaux médias » – domaine d’étude qui évolue aussi rapidement que ses objets. Alors que les pratiques artistiques utilisant l’outil numérique étaient encore expérimentales et novatrices dans les années 1990, « les jeunes artistes liés aux médias travaillent aujourd’hui avec les dernières technologies aussi facilement qu’ils sirotent de l’eau 1» comme nous le rappelle Barbara London dans l’avant-propos de ce volume. Malgré de nombreuses expérimentations dans le milieu muséal, dont certaines sont décrites dans le livre, ces pratiques, le plus souvent variables et interactives, confrontent toujours les musées à un certain nombre de difficultés. L’ouvrage vise à explorer et expliquer les défis lancés aux institutions par ces pratiques artistiques au travers de témoignages de commissaires, de conservateurs et de responsables de collections. Les contributeurs, qui ont pour beaucoup travaillé dans des institutions prestigieuses, comme le Guggenheim, le MoMA, la Tate Modern ou encore Rhizome (plate-forme en ligne avec une collection de plus de 2 000 œuvres de Net art et Software art), s’appuient largement sur leurs propres expériences et illustrent leurs propos avec de nombreux exemples. Ces analyses d’expériences, dont la dimension pratique est très intéressante, peuvent être regroupées en trois grands axes : la documentation, la collection et l’exposition. Les contributions démontrent que d’importants changements ont eu lieu au cours de la dernière décennie dans le domaine de l’exposition d’œuvres d’art issues de pratiques utilisant de nouveaux médias. Il est néanmoins regrettable que le livre se limite principalement à des points de vue anglo-américains, aussi bien dans le choix des auteurs que dans celui de la sélection d’exemples et de références, omettant ainsi les contributions remarquables élaborées récemment dans d’autres parties du monde, notamment en Europe.

Carlijn Juste, « New Collecting: Exhibiting and Audiences after New Media Art », Critique d’art [En ligne], 2019. URL : http://journals.openedition.org/critiquedart/29232

Art, médium, média (sous la dir. de Pascal Krajewski)

Publié sous la direction de Pascal Krajewski, Art, médium, média présente une sélection d’articles parus entre 2016 et 2017 dans la revue Appareil. L’introduction que le directeur d’ouvrage a rédigée pour ce recueil décline les différentes acceptions des termes médium et média dans leurs usages populaires (les médias de masse) ainsi que dans leurs usages scientifiques et artistiques. L’auteur retrace la généalogie du terme médium à travers ses grands penseurs : Clement Greenberg, Marshall McLuhan et sa définition large de « prothèse » (p. 10) ou « prolongement technico-technologique de nous-mêmes » (p. 9), et Régis Debray qui, selon Pascal Krajewski, voit le médium comme un « moyen de transmission et de circulation symbolique » (p. 10). Cet ouvrage propose une nouvelle définition du médium artistique comme, à la fois, « matériaux-à-informer » et « régime de présentation de l’œuvre à son public » (p. 15). La première partie, « Le médium de l’art », toujours dans l’optique d’une recherche généalogique du terme, précise les spécifications et qualifications de certains médias tels que le dessin ou la bande dessinée. La seconde partie, « Les médias dans l’art », envisage la pluralité des médias de l’art : le « mixed média », le « multi média » et le « post média ». Ces textes sont accompagnés de deux traductions de Pascal Krajewski d’articles anglais : Remediation de Jay David Bolter et Richard Gruisin (1996), texte qui garde toujours beaucoup d’actualité et qui peut être très utile dans l’analyse d’un grand nombre d’œuvres d’art contemporain, et Une esthétique post média de Lev Manovich (2001). Le livre se clôture par un échange imaginé, non sans humour, par l’artiste et chercheuse Daphné Sergent, entre un poète et un « raisonneur ». Les deux discutent de ce que le poète appelle le « pré-médium », c’est-à-dire ce qui se prépare dans le for intérieur de l’artiste et s’exprime dans le médium. La discussion porte sur la difficulté de trouver des concepts philosophiques adéquats pour la réflexion artistique et replace ainsi les articles de ce livre dans une nouvelle perspective.

Carlijn Juste, « Art, médium, média », Critique d’art [En ligne], 2019. http://journals.openedition.org/critiquedart/3830

Débats autour de l’exposition d’œuvres d’art issues des nouveaux médias : analyse de la “Crumb Network mailing list” (2001-2018)

14 mars 2019, 6e journée des doctorants du CEAC, ED SHS, Villeneuve d’Ascq

Résumé de la communication

Ma recherche doctorale porte sur les moyens d’exposition d’œuvres d’art dites nouveaux médias, des œuvres qui sont à la fois numériques et interactives. Elle examine comment les espaces d’exposition, musées ou centres d’art contemporain s’adaptent sur un plan physique, conceptuel et administratif aux spécificités des ces œuvres.

Le CRUMB Network (Curatorial Resources for Upstart Media Bliss) est un réseau professionnel, dédié aux différents métiers lié à l’exposition d’œuvres d’art issue des nouveaux médias. Fondé en 2000 ses actions évoluent autour de la mise en lien des acteurs du milieu , d’animation de discussions, d’organisation de colloques et de workshops professionnels, etc. Depuis 2001 le réseau anime une « mailing list », soit un espace de discussion et de débat privilégié dans lequel ses membres (des conservateurs d’exposition, des artistes, des critiques d’art, etc.), échangent sur des sujets d’actualité dans le domaine.

Depuis la création de la liste de diffusion, les discours autour des modalités d’exposition des œuvres d’art issue des nouvelles technologies ont sensiblement changés. L’analyse de ce corpus large d’environ 7500 e-mail et 1000 auteurs différents à l’aide d’une quantification des données textuelles et d’une analyse de réseau permettra de reconstruire des évolutions thématiques, d’identifier des acteurs du réseau et d’analyser les dynamiques de leurs échanges. Quel sont les sujets qui animent la communauté à quel moment ? Pourquoi et comment changent-ils durant ces 18 dernières années ? Telles sont quelques-unes des questions que je pose dans mon étude et que je souhaite soulever dans mon intervention.

De l’utilisation artistique de la réalité augmentée : l’exemple de l’œuvre “Alter Bahnhof Video Walk” de Janet Cardiff et Georges Bures Miller

22 mars 2018, Journée d’étude Nicolas Schöffer : un artiste du temps réel, LaM, Musée d’art moderne, Villeneuve d’Asc.

Résumé de la communication

En superposant espace virtuel et espace réel dans leurs œuvres vidéos in situ, les artistes Janet Cardiff et Georges Bures Miller créent des extensions fictives de l’espace réel. D’une certaine manière, ils interrogent le fait de superposer une couche de données sur l’espace physique. Dans leurs pièces, le spectateur se déplace dans un milieu urbain ou naturel, équipé d’un lecteur portable sur lequel il peut lire une vidéo enregistrée préalablement dans le même espace. Ce qu’il voit sur l’écran correspond donc à l’espace réel dans lequel il se situe. Cependant, les images vidéos s’écartent encore et encore de la situation réellement vécue, créant ainsi un décalage. Le spectateur se laisse prendre par la fiction mais les faits de la réalité le retiennent sans cesse. Il se trouve ainsi dans une position oscillante entre immersion et disruption. À l’exemple de l’œuvre Alter Bahnhof Video Walk présentée lors de la documenta (13) à Kassel, cette intervention s’interrogera sur cette pratique consistant à superposer l’espace virtuel à l’espace réel afin de créer une nouvelle réalité pour le spectateur.

L’activité du spectateur : réflexion sur les rôles du spectateur dans un contexte muséal

5 avril 2017 dans le cadre du Cycle de conférences les Mercredis de la recherche en art, MUba Eugène Leroy, Tourcoing.

Résumé de la communication

L’apparition d’œuvres interactives questionne les rôles établis du public des musées. La présentation s’applique à faire le point sur des notions de participation du spectateur sur la base d’œuvres d’artistes comme Markus Raetz, Oda Projesi, ou encore Blast Theory et interrogera comment l’espace d’exposition peut soutenir la forme d’interactivité nécessaire pour la réception de leurs œuvres.

Description de la démarche doctorale

Ma recherche porte sur les moyens d’exposition d’œuvres d’art dites « nouveaux médias », des œuvres qui sont à la fois numériques et interactives. Les œuvres d’art des nouveaux médias demandent une adaptation de la part des espaces d’exposition, musées ou centres d’art contemporain, car leurs technologies de diffusion exigent le plus souvent un espace sombre et isolé afin de pouvoir projeter des images et de limiter des interférences de son. Le « white cube » est ainsi remplacé par la « black box ». Mais les transformations imposées aux espaces d’exposition vont plus loin pour au moins deux raisons : pour respecter le type singulier de liens que les artistes souhaitent créer avec le spectateur ; pour conserver leur caractère variable et éphémère (il faut donc souvent recréer les œuvres pour chaque exposition). L’espace, intentionnellement créé ou choisi par l’artiste ou le conservateur d’exposition, constitue la condition de la perception d’une œuvre d’art. Les œuvres des nouveaux médias demandent une adaptation de la part de ces espaces non seulement physiquement mais aussi conceptuellement et administrativement.

Le propos de ma thèse est d’interroger la manière dont une exposition significative peut être créée dans l’espace muséal, qui inclut ces œuvres interactives et numériques et encourage le genre d’interaction qui est prévu par l’artiste et nécessaire pour la perception de l’art des nouveaux médias. Qu’est-ce qui distingue l’art des nouveaux médias d’autres œuvres d’art et quelles sont les conséquences de l’exposition de ces œuvres pour le musée ? Quels sont les nouveaux espaces, concepts et méthodes de travail qui se sont constitués en réaction à ces œuvres d’art ? Quels changements sont à attendre de ces nouvelles données dans un futur proche ?

Pour répondre à ces questions, il est nécessaire d’analyser les divers moyens existant actuellement pour permettre à la signification de ces œuvres de se déployer dans les musées, ainsi que la façon dont parfois la constitution de cette signification est altérée par les caractéristiques spécifiques de l’art utilisant des nouveaux médias. Ma méthodologie consiste dans l’étude d’expositions anciennes et en cours ; elle comprend donc l’analyse d’expositions actuelles (Le Fresnoy, ZKM, V2, documenta, etc.) ainsi que l’étude d’archives et entretiens concernant des expositions passées. Cette recherche combine des outils classiques de l’histoire de l’art ou de la recherche sur l’art, analyse d’œuvre, recherche en bibliothèque et archive, entretiens avec des conservateurs d’exposition, restaurateurs, régisseurs, et artistes, etc. avec des outils qui se rapprochent de la recherche-action, stages d’observation et organisation d’expositions et des outils empruntés aux humanités numériques, notamment l’analyse lexical de larges corpus de textes.